PITCHING ARREBATAMIENTO
GUION: GEOVANA RUIZ
DIRECTOR: GEOVANA RUIZ
TITULO: ARREBATAMIENTO
PRESUPUESTO: 100
SINOPSIS
MARTHA UNA MUJER QUE CREA UNA SECTA DE SEGUIDORES A LOS CUALES ENGAÑA DICIENDO QUE EL DIA DEL ARREBATAMIENTO YA TIENE FECHA Y LOS ENGAÑA LLEVANDOLOS A UN LUGAR APARTADO PARA LUEGO ASESINARLOS SIN SABER QUE EL DIA DEL JUICIO SERIA EL FINAL PARA ELLA Y SE QUEDARIA ATORMENTADA. LOS JUSTOS SE IRAN Y LOS MALAVADOS PAGARAN.
RODAJE 3 DIAS
LOCACIONES 3 LOCACIONES
PERSONAJES
MARTHA
SEGUIDORES 40 PERSONAS
jueves, 10 de septiembre de 2009
miércoles, 9 de septiembre de 2009
ABRE LOS OJOS
Argumento
César (Eduardo Noriega) es un chico guapo y rico al que le gustan mucho las mujeres pero muy poco el compromiso. Sin embargo en la fiesta de su cumpleaños se enamora de Sofía (Penélope Cruz), la acompañante de su mejor amigo, Pelayo (Fele Martínez). Nuria (Najwa Nimri), una antigua amante de César, movida por los celos provoca un accidente de coche en el que ella fallece y César queda completamente desfigurado. A partir de ese momento su vida cambia por completo, convirtiéndose en una horrible pesadilla.
Personajes
César: es un chico seguro de sí mismo, con éxito entre las mujeres, que vive una situación cómoda económicamente dado que heredó la riqueza de sus padres tras quedarse huérfano. Durante su fiesta de cumpleaños Pelayo, su mejor amigo, le presenta a Sofía, una compañera de estudios. Al día siguiente Nuria, su anterior ligue, provoca un accidente de coche en el que César queda desfigurado, volviéndose introvertido, inseguro y acomplejado.
Sofía: es la chica de la que se enamora César. Trabaja como mimo y estudia arte dramático en la misma escuela que Pelayo. Se siente atraída por César hasta su accidente.
Nuria: una chica con la que César se ha acostado unas cuantas veces, aunque éste no quiere nada más con ella. Nuria no acepta la situación y adopta una actitud obsesiva. Tras la fiesta de cumpleaños de César, Nuria se ofrece a llevarle en coche; al insistir aquel en que su relación no va a ir más allá del sexo esporádico, Nuria despeña el coche por un barranco. En el choque, ella fallece y César queda desfigurado.
Pelayo: el mejor amigo de César. Se siente en desventaja ante César con las mujeres debido a sus físicos. En un principio, se resigna a que César trate de ligar con Sofía.
Antonio: el psicólogo del hospital penitenciario. Trata de ayudar a César a recordar y discernir la realidad de sus sueños.
Duvernois: el represente de la compañía de crionización. Ante el estado de César le cuenta que fue crionizado tras su suicidio y se le creó un sueño en el que su vida pudiera ser tal como él quisiera. Sus paranoias eran debidas a su subconsciente. Duvernois le ofrece la posibilidad de empezar un nuevo sueño o probar a vivir en la realidad del futuro; para ello, debe despertarse del sueño actual suicidándose.
César (Eduardo Noriega) es un chico guapo y rico al que le gustan mucho las mujeres pero muy poco el compromiso. Sin embargo en la fiesta de su cumpleaños se enamora de Sofía (Penélope Cruz), la acompañante de su mejor amigo, Pelayo (Fele Martínez). Nuria (Najwa Nimri), una antigua amante de César, movida por los celos provoca un accidente de coche en el que ella fallece y César queda completamente desfigurado. A partir de ese momento su vida cambia por completo, convirtiéndose en una horrible pesadilla.
Personajes
César: es un chico seguro de sí mismo, con éxito entre las mujeres, que vive una situación cómoda económicamente dado que heredó la riqueza de sus padres tras quedarse huérfano. Durante su fiesta de cumpleaños Pelayo, su mejor amigo, le presenta a Sofía, una compañera de estudios. Al día siguiente Nuria, su anterior ligue, provoca un accidente de coche en el que César queda desfigurado, volviéndose introvertido, inseguro y acomplejado.
Sofía: es la chica de la que se enamora César. Trabaja como mimo y estudia arte dramático en la misma escuela que Pelayo. Se siente atraída por César hasta su accidente.
Nuria: una chica con la que César se ha acostado unas cuantas veces, aunque éste no quiere nada más con ella. Nuria no acepta la situación y adopta una actitud obsesiva. Tras la fiesta de cumpleaños de César, Nuria se ofrece a llevarle en coche; al insistir aquel en que su relación no va a ir más allá del sexo esporádico, Nuria despeña el coche por un barranco. En el choque, ella fallece y César queda desfigurado.
Pelayo: el mejor amigo de César. Se siente en desventaja ante César con las mujeres debido a sus físicos. En un principio, se resigna a que César trate de ligar con Sofía.
Antonio: el psicólogo del hospital penitenciario. Trata de ayudar a César a recordar y discernir la realidad de sus sueños.
Duvernois: el represente de la compañía de crionización. Ante el estado de César le cuenta que fue crionizado tras su suicidio y se le creó un sueño en el que su vida pudiera ser tal como él quisiera. Sus paranoias eran debidas a su subconsciente. Duvernois le ofrece la posibilidad de empezar un nuevo sueño o probar a vivir en la realidad del futuro; para ello, debe despertarse del sueño actual suicidándose.
UNDERGROUND
Underground, conocida también bajo el título Érase una vez un país, es una película de cine europeo dirigida por Emir Kusturica
Argumento
En Belgrado, Yugoslavia, durante la Segunda Guerra Mundial, un poeta, Marko Dren (Miki Manojlovic), esconde a su amigo Petar Popara (Lazar Ristovski) y a su familia en un sótano para esconderse de los nazis y deben fabricar armas para la guerra. Marko los engaña para que sigan fabricando armas 20 años aún después de la guerra y los hace creer que aún no termina y que solo han pasado 15 años.
La película está llena de simbolismos, por ejemplo, tras el bombardeo a Belgrado, Crni se limpia el zapato con un gato; al final, Petar en la búsqueda de su hijo y tras descubrir que Marko y Natalija (Mirjana Jokovic) murieron, se apoya en una cruz que tiene a Cristo invertido. Además, en medio del fuego y la destrucción, hay un caballo blanco y un ganso volando.
Comentario
El director se enfrenta con una mirada crítica al pueblo serbio en la que ganó muchos enemigos. Por ello mismo se fue a vivir a Francia. Habla sobre el régimen yugoslavo del mariscal Tito, quien se mantuvo en el poder desde la Segunda Guerra Mundial hasta su muerte. A pesar de que pueda parecer una película dramática, el director ha plasmado este drama a través de dosis cómicas que la hacen amena al espectador.
La película está llena de simbolismos, por ejemplo, tras el bombardeo a Belgrado, Crni se limpia el zapato con un gato; al final, Petar en la búsqueda de su hijo y tras descubrir que Marko y Natalija (Mirjana Jokovic) murieron, se apoya en una cruz que tiene a Cristo invertido. Además, en medio del fuego y la destrucción, hay un caballo blanco y un ganso volando.
Comentario
El director se enfrenta con una mirada crítica al pueblo serbio en la que ganó muchos enemigos. Por ello mismo se fue a vivir a Francia. Habla sobre el régimen yugoslavo del mariscal Tito, quien se mantuvo en el poder desde la Segunda Guerra Mundial hasta su muerte. A pesar de que pueda parecer una película dramática, el director ha plasmado este drama a través de dosis cómicas que la hacen amena al espectador.
PARIS jet aime
Paris, je t'aime es una película francesa dirigida por varios directores de distintas nacionalidades.
Está compuesta de dieciocho cortometrajes, cada uno de los cuales sucede en un barrio distinto de la ciudad de París.
Argumento
El amor se respira en cada uno de los rincones de París. Diferentes historias sobre la alegría, los encuentros inesperados, las separaciones. etc.
Una película donde muestra varias facetas del amor, las cuales no representan el amor como es visto en las mayoría de las películas, sino también el amor de familia, de una madre a un hijo, del amor perdido
SINOPSIS
serie de cortos por el aniversario de París. En París, el amor está en todas partes. En sus bares y cafés. Bajo la Torre Eiffel, a las orillas del Sena, incluso en su maravillosa red del metro que corre bajo sus calles. En "Paris, je t aime", dispóngase a percibir la ciudad de un modo que nunca antes imaginó. Es París visto a través de los ojos de distintos directores de cine. Se propuso a cada uno de ellos que explicara una historia enmarcada en uno de los barrios de la ciudad. El resultado es un calidoscopio de historias que versan sobre la alegría, la separación, los encuentros extraños e inesperados y, por encima de todo, sobre el amor
Está compuesta de dieciocho cortometrajes, cada uno de los cuales sucede en un barrio distinto de la ciudad de París.
Argumento
El amor se respira en cada uno de los rincones de París. Diferentes historias sobre la alegría, los encuentros inesperados, las separaciones. etc.
Una película donde muestra varias facetas del amor, las cuales no representan el amor como es visto en las mayoría de las películas, sino también el amor de familia, de una madre a un hijo, del amor perdido
SINOPSIS
serie de cortos por el aniversario de París. En París, el amor está en todas partes. En sus bares y cafés. Bajo la Torre Eiffel, a las orillas del Sena, incluso en su maravillosa red del metro que corre bajo sus calles. En "Paris, je t aime", dispóngase a percibir la ciudad de un modo que nunca antes imaginó. Es París visto a través de los ojos de distintos directores de cine. Se propuso a cada uno de ellos que explicara una historia enmarcada en uno de los barrios de la ciudad. El resultado es un calidoscopio de historias que versan sobre la alegría, la separación, los encuentros extraños e inesperados y, por encima de todo, sobre el amor
TESIS
Tesis es la primera película de Alejandro Amenábar, protagonizada por Ana Torrent, Fele Martínez y Eduardo Noriega.
Con un notable éxito de crítica y público, la película marcó el inicio de uno de los más exitosos directores del cine español. Obtuvo varios premios, entre ellos el Premio Goya a la mejor película, mejor guión original y mejor director novel.
Ángela prepara una tesis doctoral sobre la violencia audiovisual. Figueroa, su director de tesis, descubre accidentalmente una película y al día siguiente aparece muerto. Ángela y Chema, un compañero de facultad, deciden llevarse la cinta, descubriendo que se trata de una "snuff-movie" en la que una chica es torturada y asesinada. Un mundo audiovisual diferente y peligroso se abre ante ellos. Ángela puede ser la protagonista de la siguiente "snuff-movie".
Con un notable éxito de crítica y público, la película marcó el inicio de uno de los más exitosos directores del cine español. Obtuvo varios premios, entre ellos el Premio Goya a la mejor película, mejor guión original y mejor director novel.
Ángela prepara una tesis doctoral sobre la violencia audiovisual. Figueroa, su director de tesis, descubre accidentalmente una película y al día siguiente aparece muerto. Ángela y Chema, un compañero de facultad, deciden llevarse la cinta, descubriendo que se trata de una "snuff-movie" en la que una chica es torturada y asesinada. Un mundo audiovisual diferente y peligroso se abre ante ellos. Ángela puede ser la protagonista de la siguiente "snuff-movie".
. Curiosidades
Está rodada, en parte, en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid en la que estudió Amenábar. El rodaje tuvo que hacerse en el mes de agosto, cuando estas instalaciones quedaban vacías.
En una escena de la película, en la base de datos de los compradores de la cámara xt-500 aparece el nombre de Alejandro Amenábar.
El nombre de un profesor de Amenábar, que lo suspendió en varias ocasiones, fue usado para el personaje del siniestro profesor Castro.
Está rodada, en parte, en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid en la que estudió Amenábar. El rodaje tuvo que hacerse en el mes de agosto, cuando estas instalaciones quedaban vacías.
En una escena de la película, en la base de datos de los compradores de la cámara xt-500 aparece el nombre de Alejandro Amenábar.
El nombre de un profesor de Amenábar, que lo suspendió en varias ocasiones, fue usado para el personaje del siniestro profesor Castro.
martes, 8 de septiembre de 2009
LOS OTROS
Los otros es un película del año 2001 inspirada en el cuento Casa Tomada de Julio Cortázar dentro del género del thriller por el director español Alejandro Amenábar, protagonizada por Nicole Kidman. Es una coproducción hispano-franco-estadounidense.
La película se desarrolla en la isla de Jersey, poco después del final de la Segunda Guerra Mundial. Grace Stewart (Nicole Kidman) es una joven madre católica, quien vive con sus dos pequeños hijos en una casa de campo remota. Los niños, Anne y Nicholas, tienen una extraña enfermedad que incluye fotofobia (pudiendo ser, quizá, porfiria eritropoyética), por lo que sus vidas están estructuradas alrededor de una serie de reglas complejas diseñadas para protegerles de cualquier exposición a la luz del sol.
La llegada de tres sirvientes a la casa (una niñera, un jardinero y una joven muda) coincide con un número de eventos extraños, y Grace comienza a temer que no estén solos. Anne comienza a hacer dibujos de cuatro personas: un hombre, una mujer, un niño llamado Victor y una anciana, sobre los cuales había escrito el número de veces que los habia visto poniendo sobre la anciana el numero 14 .
Un día, comienza a oírse un piano, el cual estaba siendo tocado en una habitación cerrada y vacía. Cada vez que Grace entraba en la habitación y dejaba la puerta abierta, esta se cerraba, pero cuando trata de descubrir por qué, la puerta se cierra bruscamente, golpeándola y arrojándola contra el suelo. Grace trata atrapar a los "intrusos" con una escopeta, pero no logra encontrarlos. Mientras tanto, regaña a su hija por sus comentarios sobre fantasmas que, según ella, vivían en la casa. Cuando finalmente Grace se convence de que hay una presencia más allá de sus hijos y los sirvientes en la casa, sale de la misma, en medio de la niebla, a buscar al sacerdote para conseguir que la bendiga. Mientras tanto, los sirvientes, liderados por Bertha Mills, claramente planean hacer algo. El jardinero cubre con hojas secas tres tumbas, y, más tarde, la Sra. Mills escucha religiosamente las peleas de Anne con su madre por sus opiniones diferentes.
Un día, comienza a oírse un piano, el cual estaba siendo tocado en una habitación cerrada y vacía. Cada vez que Grace entraba en la habitación y dejaba la puerta abierta, esta se cerraba, pero cuando trata de descubrir por qué, la puerta se cierra bruscamente, golpeándola y arrojándola contra el suelo. Grace trata atrapar a los "intrusos" con una escopeta, pero no logra encontrarlos. Mientras tanto, regaña a su hija por sus comentarios sobre fantasmas que, según ella, vivían en la casa. Cuando finalmente Grace se convence de que hay una presencia más allá de sus hijos y los sirvientes en la casa, sale de la misma, en medio de la niebla, a buscar al sacerdote para conseguir que la bendiga. Mientras tanto, los sirvientes, liderados por Bertha Mills, claramente planean hacer algo. El jardinero cubre con hojas secas tres tumbas, y, más tarde, la Sra. Mills escucha religiosamente las peleas de Anne con su madre por sus opiniones diferentes.
lunes, 7 de septiembre de 2009
domingo, 23 de agosto de 2009
EL ARREBATAMIENTO
Este es el sueño del hermano Emerson Díaz sobre el arrebatamiento de la iglesia tal y como lo :
Una noche me recosté como suele ocurrir normalmente, y de pronto en un sueño-visión, me veo caminando en una calle llena de personas, con vestiduras rotas y sucias, sus rostros están tan sucios que toda esa gente parecía mendiga y viviendo en la más vil pobreza, su vestuario lucia tan sucio, que me preguntaba, ¿qué hago aquí?
Pero cuando caminaba, todas esas personas se burlaban y se reían a carcajadas señalando hacia el cielo. Después sigo caminando por esa calle en la cual habían moscas y gente tirada como borracha pero no paraban de reírse y señalaban hacia el cielo, luego de caminar en medio de esa multitud sucia, me dio curiosidad por saber que era lo que señalaban y por qué se burlaban.Cuando miré hacia arriba, en esa calle había una especie de muralla enorme y habían unas pequeñas escaleras para subir a ella. Cuando subo, veo una multitud de personas que estaban a mi izquierda, paradas sobre esa muralla, y me doy cuenta que todos tenian trajes de galas, como cuando se viste un novio, trajes negros, así como se viste un novi
o para una boda.
Una noche me recosté como suele ocurrir normalmente, y de pronto en un sueño-visión, me veo caminando en una calle llena de personas, con vestiduras rotas y sucias, sus rostros están tan sucios que toda esa gente parecía mendiga y viviendo en la más vil pobreza, su vestuario lucia tan sucio, que me preguntaba, ¿qué hago aquí?
Pero cuando caminaba, todas esas personas se burlaban y se reían a carcajadas señalando hacia el cielo. Después sigo caminando por esa calle en la cual habían moscas y gente tirada como borracha pero no paraban de reírse y señalaban hacia el cielo, luego de caminar en medio de esa multitud sucia, me dio curiosidad por saber que era lo que señalaban y por qué se burlaban.Cuando miré hacia arriba, en esa calle había una especie de muralla enorme y habían unas pequeñas escaleras para subir a ella. Cuando subo, veo una multitud de personas que estaban a mi izquierda, paradas sobre esa muralla, y me doy cuenta que todos tenian trajes de galas, como cuando se viste un novio, trajes negros, así como se viste un novi
o para una boda.
THE LUNCH DATE
Año de producción: 1989
País: EE.UU.
Dirección: Adam Davidson
Intérpretes: Scotty Bloch, Paul Sarnoff, Clebert Ford, Bernard Johnson
Guión: Adam Davidson
Música: Thomas Cabaniss
Fotografía: Anghel Decca
Distribuye en DVD: Avalon
Duración: 10 min.
Público apropiado: Jóvenes
Género: Comedia
Una señora en una concurrida estación de tren. Un poquito despistada, la buena mujer colisiona con un viandante y se desparraman sus paquetes de la compra. Total, que pierde el tren, y mata el tiempo tomando una ensalada; cuando va a por el cubierto se encuentra con que un mendigo negro se está zampando su comida... Aunque puede que las apariencias engañen.Inspirado corto rodado en blanco y negro, ganador del Oscar en 1989. Minimalista, como debe ser, nos ha preparado con habilidad para ser testigos de cierto despiste clave en la resolución de la trama, y que sirve para mostrar los buenos sentimientos de aquel a quien habíamos juzgado mal.
País: EE.UU.
Dirección: Adam Davidson
Intérpretes: Scotty Bloch, Paul Sarnoff, Clebert Ford, Bernard Johnson
Guión: Adam Davidson
Música: Thomas Cabaniss
Fotografía: Anghel Decca
Distribuye en DVD: Avalon
Duración: 10 min.
Público apropiado: Jóvenes
Género: Comedia
Una señora en una concurrida estación de tren. Un poquito despistada, la buena mujer colisiona con un viandante y se desparraman sus paquetes de la compra. Total, que pierde el tren, y mata el tiempo tomando una ensalada; cuando va a por el cubierto se encuentra con que un mendigo negro se está zampando su comida... Aunque puede que las apariencias engañen.Inspirado corto rodado en blanco y negro, ganador del Oscar en 1989. Minimalista, como debe ser, nos ha preparado con habilidad para ser testigos de cierto despiste clave en la resolución de la trama, y que sirve para mostrar los buenos sentimientos de aquel a quien habíamos juzgado mal.
ALL THE INVISIBLE CHILDREN
Colección de siete notables cortometrajes en torno a la infancia, varios de ellos dirigidos por cineastas de prestigio mundial. Se trata de un proyecto humanitario y artístico promovido por la organización UNICEF, con la idea de que las ganancias económicas sean destinadas a entidades dedicadas a la protección de los niños.
Pero sin duda las mejores historias son las que vienen de Brasil y de China. La directora Kátia Lund -colaboradora de Fernando Meirelles en la magistral Ciudad de Dios- enternece con la preciosa historia de "Bilu y João", dos simpáticos hermanos que luchan por sobrevivir en una favela de Sao Paulo. Su alegría, su bondad y su destreza para descubrir cualquier oportunidad de ganar unas perrillas es sencillamente encantadora y llena de esperanza.
Pero sin duda las mejores historias son las que vienen de Brasil y de China. La directora Kátia Lund -colaboradora de Fernando Meirelles en la magistral Ciudad de Dios- enternece con la preciosa historia de "Bilu y João", dos simpáticos hermanos que luchan por sobrevivir en una favela de Sao Paulo. Su alegría, su bondad y su destreza para descubrir cualquier oportunidad de ganar unas perrillas es sencillamente encantadora y llena de esperanza.
IN LOVE
George Lucas in Love (George Lucas enamorado) es un cortometraje de Joe Nussbaum, realizado en 1999. Se suele creer erróneamente que se trata de un film de estudiantes de cine, pero sus realizadores ya no estudiaban cuando lo hicieron. Se trata de una biografía apócrifa de George Lucas, que narra sus días como estudiante, cuando escribía el guión de Star Wars. Los diferentes personajes de la saga aparecen en el campus, inspirando al joven Lucas. La historia está levemente inspirada en Shakespeare in Love. Los realizadores y muchos de los técnicos y actores que participaron son estudiantes y graduados de la Universidad del Sur de California. El proyecto fue financiado con dinero de los abuelos del director.La película circuló por Hollywood durante el verano, fue premiada en el Festival de Toronto el 19 de septiembre y publicada por el sitio web MediaTrip.com el 12 de octubre de 1999. George Lucas felicitó a los realizadores en una carta.
Fue premiada en festivales en los Estados Unidos, Canadá, España y Francia. Fue un gran éxito de venta cuando fue lanzada en VHS en el año 2000. El DVD apareció en 2001. Nunca fue distribuida comercialmente fuera de los Estados Unidos.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/George_Lucas_in_Love"
Fue premiada en festivales en los Estados Unidos, Canadá, España y Francia. Fue un gran éxito de venta cuando fue lanzada en VHS en el año 2000. El DVD apareció en 2001. Nunca fue distribuida comercialmente fuera de los Estados Unidos.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/George_Lucas_in_Love"
SCREEN TEST HELMUT
Año de producción: 1964
País: EE.UU.
Dirección: Andy Warhol
Fotografía: Andy Warhol
Distribuye en DVD: Avalon
Duración: 5 min.
Público apropiado: Jóvenes
Género: Experimental
Mi opinión:Este corto no debe haber costado mucho, pues no hay actores, escenarios ni efectos así que asumo que costo únicamente el precio del cassette donde fue grabado, a mi personalmente no me gusto pues no es muy cómodo sentarse frente a la pantalla y ver a un tipo viendo la cámara por mas de 5 minutos, lo que si debo acotar es que no se le vio en ningún momento lagrimear, además que debe ser muy duro sentarse por 5 minutos a no hacer nada ni siquiera parpadear
País: EE.UU.
Dirección: Andy Warhol
Fotografía: Andy Warhol
Distribuye en DVD: Avalon
Duración: 5 min.
Público apropiado: Jóvenes
Género: Experimental
Mi opinión:Este corto no debe haber costado mucho, pues no hay actores, escenarios ni efectos así que asumo que costo únicamente el precio del cassette donde fue grabado, a mi personalmente no me gusto pues no es muy cómodo sentarse frente a la pantalla y ver a un tipo viendo la cámara por mas de 5 minutos, lo que si debo acotar es que no se le vio en ningún momento lagrimear, además que debe ser muy duro sentarse por 5 minutos a no hacer nada ni siquiera parpadear
cortometreje vincent Tim Burton
El cortometraje Vincent fue realizado por Tim Burton en 1982, y cuenta la historia de un niño de 7 años llamado Vincent Maloy, quien está obsesionado con el actor Vincent Price. Burton consiguió que el mismísimo Price prestara su voz como narrador de la historia.
Es el primer cortometraje dirigido por Tim Burton y utiliza la técnica de animación stop-motion (cuadro por cuadro) con muñecos de ojos grandes y lúgubres figuras de arcilla. Vincent cuenta con un excelente guión y música y es puro universo "bartoniano": oscuridad, desesperación, miedo y sobre todo, una imaginación atípica, impresionante y cautivadora.
El corto es también un homenaje de Burton a Price y a Poe, dos de sus artistas más admirados.
Es el primer cortometraje dirigido por Tim Burton y utiliza la técnica de animación stop-motion (cuadro por cuadro) con muñecos de ojos grandes y lúgubres figuras de arcilla. Vincent cuenta con un excelente guión y música y es puro universo "bartoniano": oscuridad, desesperación, miedo y sobre todo, una imaginación atípica, impresionante y cautivadora.
El corto es también un homenaje de Burton a Price y a Poe, dos de sus artistas más admirados.
jueves, 26 de febrero de 2009
Satanás
Satanás
Título
Satanás
Ficha técnica
Dirección
Andi Baiz
Guión
Andrés Baiz
Reparto
Damián AlcázarMarcela MarPatricia CastañedaCarolina GaitánMarcela GallegoIsabel GaonaÁlvaro García
Datos y cifras
País(es)
Colombia
Año
2007
Género
Drama
Idioma(s)
Español
Compañías
Productora
Proyecto Tucan
Ficha en IMD
Satanás es una película colombiana dirigida por Andy Baiz, ganadora del premio a Mejor Actor y Mejor Película en el Festival International Des Espoirs Du Cinéma, en Mónaco.
Es el primer largometraje de Baiz estrenado en junio de 2007 y protagonizado por el actor mexicano Damián Alcázar; está basado en el libro de Mario Mendoza que a su vez se basa en los hechos ocurridos en el restaurante El Pozzeto de Bogotá donde el 5 de diciembre de 1986 un ex combatiente de la guerra de Vietnam llamado Campo Elías Delgado masacró a varias personas que se encontaban en el lugar después de haber asesinado a su madre y a otras personas cercanas a él.
Título
Satanás
Ficha técnica
Dirección
Andi Baiz
Guión
Andrés Baiz
Reparto
Damián AlcázarMarcela MarPatricia CastañedaCarolina GaitánMarcela GallegoIsabel GaonaÁlvaro García
Datos y cifras
País(es)
Colombia
Año
2007
Género
Drama
Idioma(s)
Español
Compañías
Productora
Proyecto Tucan
Ficha en IMD
Satanás es una película colombiana dirigida por Andy Baiz, ganadora del premio a Mejor Actor y Mejor Película en el Festival International Des Espoirs Du Cinéma, en Mónaco.
Es el primer largometraje de Baiz estrenado en junio de 2007 y protagonizado por el actor mexicano Damián Alcázar; está basado en el libro de Mario Mendoza que a su vez se basa en los hechos ocurridos en el restaurante El Pozzeto de Bogotá donde el 5 de diciembre de 1986 un ex combatiente de la guerra de Vietnam llamado Campo Elías Delgado masacró a varias personas que se encontaban en el lugar después de haber asesinado a su madre y a otras personas cercanas a él.
La noche del 4 de diciembre de 1986 en la ciudad de Bogotá, Colombia, el ex combatiente de Vietnam, Campo Elías Delgado, conocido como Eliseo, mató en un restaurante a 20 personas y luego se quitó la vida. Horas antes había asesinado a nueve más, entre ellas a una alumna de inglés y a su propia madre. El sangriento acontecimiento se conoce como la “Masacre de Pozzetto” e inspiró al escritor Mario Mendoza para escribir la novela Satanás, que ahora es llevada al celuloide por el cineasta colombiano Andrés Baiz. Interpretado por el mexicano Damián Alcázar, Eliseo es un maestro de inglés, tipo resentido que lleva una existencia tediosa al lado de su anciana madre, aunque en apariencia es un ser educado y amable; sus actos reflejan odio y coraje hacia cualquier manifestación de la vida. Una reflexión sobre las conductas destructivas que emanan a partir de un conflicto interno y un estupendo estudio acerca de la dualidad humana.
DOG VILLE
Título
Dogville
Ficha técnica
Dirección
Lars von Trier
Producción
Marianne SlotEls VandevorstVibeke Windeløv
Guión
Lars von Trier
Música
Antonio Vivaldi
Fotografía
Anthony Dod Mantle
Reparto
Nicole KidmanHarriet AnderssonLauren BacallJean Marc-BarrPaul BettanyBlair BrownJames CaanPatricia ClarksonJeremy DaviesBen GazzaraPhilip Baker HallJohn Hurt
Datos y cifras
País(es)
Dinamarca
Año
2003
Género
Drama
Duración
177 minutos
Dogville es una película del año 2003 dirigida por Lars von Trier y protagonizada por Nicole Kidman. Es la primera película de la trilogía Estados Unidos: tierra de oportunidades, seguida por Manderlay (2005) y Wasington (2009).
Contenido[ocultar]
1 Sinopsis
2 Análisis
3 Curiosidades
4 Enlaces externos
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Sinopsis [editar]
La película cuenta la historia de un pueblo llamado Dogville, en el interior de los Estados Unidos, durante los años de la depresión. Allí va a parar Grace, una bella mujer interpretada por Nicole Kidman que huye de unos gángsters. Tom Edison (Paul Bettany), un joven escritor fracasado con aspiraciones de filósofo, encuentra esa noche a Grace y le propone que se esconda en el pueblo. Convence al resto de vecinos con una retórica moralista, y les brinda la oportunidad de deshacerse de Grace en dos semanas si alguno de ellos no acepta la nueva situación. Éste será el punto de inflexión al principio de la película y del cual dependerá el destino de todos sus habitantes. Dogville es, sobre todo, el retrato de sus habitantes y su relación con una recién llegada (Grace).
Los acontecimientos posteriores divididos en 9 capítulos narran las vivencias de Grace con el resto de vecinos (apenas dos decenas de habitantes). De cómo la protagonista trata de ganarse la confianza de cada uno ayudándolos en sus quehaceres diarios, servicios que en principio no son necesarios, pero a los que a poco todos accederán. De cómo estos temerosos habitantes la aceptarán y la encubrirán, aún cuando el pueblo es vigilado por la policía. Grace será feliz en esos días, ha encontrado un sitio en la comunidad y el amor florece entre ella y Tom. De cómo la relación en principio cordial y amistosa con el pueblo se vuelve cada vez más tensa y surrealista. Sus habitantes, en apariencia humildes y de buen corazón, exigen una compensación mayor por el peligro que corren al cobijar a una fugitiva.
Grace, del día a la mañana, se ve transformada en esclava trabajando en cosas que “nadie necesita” pero que todos exigen. De cómo la situación degenera hasta el punto en que Grace sufre abuso sexual por parte de uno de sus “protectores”. Intenta huir pero es traicionada y encadenada por el cuello a una rueda oxidada y acaba sufriendo como una penitencia los abusos de todo el pueblo. De cómo la historia da un giro de ciento ochenta grados cuando es traicionada por Tom, el único que hasta el momento había estado a su lado, y los gángsters vuelven al pueblo. Grace se descubre como la hija del mafioso, que en un intento de huir de la corrupción de su padre, había llegado a Dogville. Finalmente, la respuesta de Grace es la venganza sobre el pueblo y sus habitantes que la humillaron y traicionaron.
Análisis [editar]
Dogville es una historia desgarradora donde se representa magistralmente la esencia de la condición humana en cada uno de sus intérpretes. Desde el humilde granjero, el médico hipocondríaco, la erudita profesora o el ciego automarginado, gente bondadosa y “temerosa de Dios”, todos comparten esa tendencia, parte intrínseca de la historia y del ser humano, de utilizar vilmente su poder sobre los demás. Poder velado bajo el tupido manto de un sociedad endogámica y transformado en represión.
Podríamos trazar los acontecimientos de forma secuencial como una campana de Gauss: partiendo de la llegada de Grace, la curva asciende, símil de los sentimientos y los valores positivos en la primera mitad de la película, como la amistad, la bondad, la esperanza; esa curva se tuerce justo a la mitad y comienza el descenso, donde afloran gradualmente aquellos aspectos escondidos que gobiernan los comportamientos de los habitantes de Dogville, la represión, la humillación y el abuso... Por último Grace admite la verdadera naturaleza del ser humano y la asimila cuando ordena asesinar a todos sus habitantes.
El papel de Tom, es sin duda digno de mención. Dado a “ilustrar” a la comunidad en la búsqueda de una moralidad superior, se presenta como un espectador más de los hechos, incapaz de hacerles frente y sumido en una situación hipócrita que no obstante intenta racionalizar. Es el único que muere directamente a manos de la protagonista.
Dogville es una de esas películas que no deja indiferente a ningún espectador. Muy de cuando en cuando este arte se descubre y aparece una de estas pequeñas joyas que demuestran que no todo está inventado. Dogville lanza como un dardo a la esencia misma del alma humana. Es una alegoría sobre la sociedad y en mayor medida de los estados y gobiernos. El margen de interpretaciones es extenso, y suscita en el espectador ese tipo de cuestiones esenciales realizadas desde el principio de los tiempos y que les hace humanos.
Se trata sin duda de una detallada puesta en escena, en la forma y en el fondo, con tendencias absolutamente teatrales. En referencia a la escenografía, todos los acontecimientos se desarrollan en un mismo lugar, Dogville, construido como decorado interior de una forma muy particular: han obviado todas las paredes y objetos superficiales del pueblo y en su lugar las han representado mediante líneas pintadas sobre el suelo negro. Así mismo, cada zona delimitada está señalada con su nombre, como la “Casa de Tom Edison”, el “Calle del Olmo”, etc. Es, en efecto, una apuesta arriesgada, tanto desde el punto de vista temático como estético, pero la magnífica ambientación decadente y claustrofobia que se ha conseguido, hacen olvidar al espectador la falta de dichos elementos y centran la atención en los personajes y los diálogos. No hay un solo detalle caprichoso, desde la iluminación o los planos, o incluso el rótulo que luce inscrito a la entrada de la mina del pueblo “dictum ac factum”, refleja ese humor irónico y algo negro existente en toda la película.
Un experimento rodado de forma singular, escrita y dirigida por Lars von Trier, cofundador del movimiento Dogma 95. No obstante en esta obra, no obedece todas las reglas de su propio manifiesto o simplemente las ha suavizado en su propio beneficio. Por ello, entre otros motivos, ha sido criticado muy negativamente en algunos sectores; pero su forma vanguardista, innovadora y siempre polémica de hacer cine ha cosechado magníficas opiniones entre los críticos, premios en los certámenes más prestigiosos y éxito entre el gran público.
Análisis desde otra perspectiva
Todo comienza cuando Grace está escapando de unos gangsters que la persiguen y llega a un sitio llamado “Dogville”, un lugar alejado y aislado. En Dogville, ella encuentra a Tom, el filósofo del pueblo. Él le propone que ella se pueda quedar en Dogville, para lo cual llama a reunión a los habitantes del pueblo para exponerles el caso y preguntarles si ella se puede quedar. Tom plantea que ella puede ayudar a cada miembro de la comunidad en sus tareas cotidianas a cambio de poder quedarse, con lo cual por un período de dos semanas ella estará a prueba. En un principio nadie parecía necesitar nada pero a medida que el tiempo pasaba las personas iban aceptándola y dejándose ayudar. Luego de las dos semanas ella es aceptada por cada miembro de la población ya que se sentían contentos con la ayuda que ella les brindaba. Así hubo un tiempo de felicidad para todos, hasta que un día la aparición de la policía en el pueblo y la difusión de un cartel con una recompensa sobre el paradero de Grace modificó el ambiente que se tenía. Ante el miedo y rechazo de la población Tom propone que ella trabaje más y se le pague menos, dado ahora se tornaba “más costoso” mantenerla a ella en el pueblo.
Poco a poco, Grace empieza a volverse una esclava de las necesidades del pueblo, el cual poco a poco empieza a mostrar sus perjuicios, deseos y envidia hacia ella. Tanto es así que empieza a existir una especie de trato a cambio de sexo por el silencio de varios hombre del pueblo de modo que este no avise a la policía de la presencia de Grace en Dogville. Esta situación refleja todo lo que puede llegar a hacer Grace por mantenerse a salvo en el pueblo. No obstante, esta situación empeora después que ella intenta huir y es acusada de robar un dinero que supuestamente Tom había tomado prestado. Así, Grace empieza a ser tratada como un perro y luego es denunciada a los gangsters que vienen para llevársela. Al final, Grace toma venganza ante el comportamiento del pueblo y decide que debe ser eliminado.
La película en sí es una alegoría; se presenta a manera de film, con una narración similar a la de una fábula y con un formato muy parecido al teatral. Ello define a la película de manera mágica en un escenario de paredes invisibles, lleno de símbolos y metáforas que prescinden de todo detalle y obligan al espectador a centrar su atención en el argumento central de la película: las relaciones humanas.
Dogville se presenta como un pueblo pequeño cercado por las montañas y aislado del resto de la población. Tal como mencionamos anteriormente, el pueblo se presenta omitiendo todos los detalles relevantes, trabajando en un único escenario de manera minimalista, tratando de hacer explotar la imaginación del espectador y capturando su atención en los detalles que se dejan sueltos casi de manera aleatoria. La primera impresión que se tiene, es la observar un escenario que se encuentra flotando, como si volase por el cielo, o más bien, como si fuera parte del sueño de algún espectador taciturno. Asimismo, los videntes de la película se presentan como seres omniscientes, ya sea por la puesta en escena de paredes invisibles, por la elocución del narrador o por la escena inicial en donde la cámara presenta una toma general del pueblo; el espectador lo sabe todo. Sabe las cosas que suceden más allá de lo que presenta una escena, puede ver a través de las paredes y oír las conversaciones o pensamientos de los demás, hecho que permite conocer a cada personaje y analizar a cada uno desde una perspectiva distinta, ya que cada uno de estos ha sido diseñado con una característica específica que lo diferencia en sobremanera de los demás ciudadanos. A medida que la película avanza, uno podrá ir descifrando las relaciones que mantiene cada uno de los personajes con el pueblo –en su conjunto– y la recién llegada Grace.
Sin embargo, creemos que la película va más allá de presentarnos las diferentes interrelaciones que se dan entre los personajes de un pueblo imaginario. La película, nos presenta el contraste de dos humanidades, dos visiones éticas y morales. Por un lado, se encuentra el pueblo de Dogville, comunidad que presenta comportamientos humanos en su esencia natural. Se presenta amigable y sumamente hospitalario en un inicio, cuando no tiene nada que perder, pero a medida que “sus” intereses (es decir el de cada uno de los habitantes) se encuentran en riesgo, muestra su lado egoísta y la capacidad de aprovecharse de la inocencia y fragilidad de quien se presente. Así, de lado contrario se encuentra Grace, quien representa la compasión, la pureza y la generosidad en su grado máximo. Dicha diferencia se irá haciendo cada vez más marcada a medida que la película avance, y como se observará, las intenciones del pueblo para con Grace irán mutando. Este contraste llegará a su apogeo al final de la película, en donde, de manera sorpresiva Grace tomará venganza en contra del pueblo y adoptará una posición irreconciliable, muy diferente a la inicial.
Dogville sufre de un mal moral que impide que el pueblo cambie. Según Tom, escritor, filosofo y guía espiritual del pueblo, Dogville no sabe recibir. Obviamente siendo un pueblo aislado, dicho mal podría verse también como la incapacidad de las personas de dar algo sin recibir nada a cambio. En otras palabras, un pueblo egoísta. Así, según el plan de Tom, Grace sería el ejemplo perfecto para contrastar su tesis. Ella representaría “el dar”, la generosidad infinita y la caridad en su expresión más magnánima. Si se tiene en cuenta que Tom trata de ser el bienhechor, la persona elegida para guiar este cambio moral; no es descabellado pensar que Grace sea identificada como el gran medio para la “salvación moral” del pueblo. Tomando como ejemplo el purgatorio de Dante, de acuerdo a los escritos en este lugar presenta el contraste entre lo bueno y lo malo, dado que es el discernimiento entre ellos lo que conlleva a que el hombre siga el camino del bien. De esta manera, Tom pone a Grace como si fuera “lo bueno”, de modo que el pueblo en base a su interacción con ella logre identificar los males de los cuales adolece y así iniciar el proceso para un cambio: educar a las personas, “ilustración” según lo llama el propio Tom.
Sin embargo, al inicio, el pueblo no acepta la ayuda de Grace. Al ser preguntados por si necesitan que “algo se haga” todos responden de forma negativa, pero aseguran que otra persona del pueblo la necesita. Evidentemente, ello muestra que los personajes de Dogville conocían las necesidades de los demás, pero eran incapaces de hacer algo por el prójimo. No obstante, Grace comienza a ser útil solo a partir de que la señora Ma Ginger, dueña de la única tienda del pueblo, acepta que Grace ayude a plantar unas platas solo por dar la contra y así refutar la tesis del filosofo Tom, que hasta ese entonces se venía cumpliendo ya que nadie había sido capaz de recibir la ayuda de Grace.
Poco a poco, Grace comienza a tomar un rol mas preponderante dentro de la economía de Dogville, la ayuda que ella brindaba inicialmente no significativa se fue haciendo cada vez más substancial y en consecuencia más riesgoso en términos de dependencia. O según las palabras del pueblo, su estancia en Dogville se hizo “más costosa”. La jornadas laborales de Grace se fueron endureciendo, así como el trato de las personas hacia ella. Ello mostraba una vez más que el ser humano, estaba gobernado por el utilitarismo y obedecía solo a la búsqueda de su propio beneficio. Ello se puso en evidencia cuando el pueblo en su conjunto comenzó a aprovecharse de la fragilidad de Grace y de la necesidad de estar “protegida” en el pueblo frente al acoso de los gangsters. Poco a poco, Dogville iría recrudeciendo su conducta frente a Grace, llegando a convertir su cuerpo Grace en un bien de uso público, convirtiéndola en esclava. Frente a todos esos momentos, Grace luce apacible y misericordiosa, perdonando el accionar de todos bajo la excusa de que todos hacen los mejor que pueden bajo las circunstancias duras que se les presentan.
Si analizamos esta diferencia de valores bajo el enfoque de Nietzsche, podremos observar que según el filósofo existe una separación o segregación entre la clase aristocrática y la clase plebeya. Dicha segregación se concretiza en las diferencias ético-morales de ambas clases, lo que conlleva a una incompatibilidad en la cosmovisión de estas. Si tratamos de plasmar este enfoque en la película, se puede entender que tanto Grace como su padre y su bando son seres divinos, o por lo menos muy superiores al resto. La película en sí, da a entender que el padre el Grace –“el jefe de los mafiosos”– vendría a ser Dios, y por otro lado, Grace sería un ángel que refleja la bondad y la compasión hacia las clases inferiores. Ella tendría como objetivo tratar de aliviar la penuria de los hombres que sobreviven en situaciones difíciles aportando generosidad y bondad, hecho necesario para conciliar las dos visiones éticas y así iniciar un cambio para bien en la humanidad. Sin embargo, tal y como muestra la película, Grace se dará cuenta que dicha reconciliación será absurda dada la naturaleza del hombre –el cual buscará siempre aprovecharse del débil– con lo cual resolverá, del mismo modo que su padre lo planteaba, realizar los cambios por la fuerza. Cabe destacar que Grace y los preceptos morales que representa se muestran bajo un enfoque occidental-cristiano de la moral, bajo lo cual los conceptos de bondad, compasión son vistos como “lo bueno”, mientras que el egoísmo y la envidia se presentan como “lo malo”.
Así, se puede entender que la misión de “los seres divinos”, es decir los mafiosos (nótese el contraste), son lo que Nietzsche llama la aristocracia (o nobles), aquellos que tienen el rol de ser veraces, ya que todo lo que dicen es verdad porque lo llevan a cabo; autoafirmativos, no necesitan que los demás se lo reconozcan y ser creadores de valores, son ellos los dicen qué está bien y qué no. Por otro lado, las personas del pueblo vendrían a ser los plebeyos, aquellos hombres vulgares y simples, que solo se preocupan por satisfacer sus necesidades básicas; son miedosos y mezquinos ya que se pelean por cosas ínfimas dándoles un valor absoluto; se rebajan a sí mismos, se niegan la autoafirmación y por último, no son capaz
viernes, 20 de febrero de 2009
PSICOSIS
SINOPSIS
Psicosis de 1960 es una película de horror y suspenso dirigida por Alfred Hitchcock, con el guión de Joseph Stefano. Se basa en la novela del mismo nombre de Robert Bloch, que a su vez fue inspirada por los crímenes del asesino en serie de Wisconsin Ed Gein. La película describe el encuentro entre una secretaria, Marion Crane (Janet Leigh), que se encuentra en la clandestinidad en un motel después de malversación de fondos de su empleador, y el propietario del motel, Norman Bates (Anthony Perkins).
En una habitación de hotel de Phoenix en un Viernes por la tarde, Marion Crane (Janet Leigh) y su amante fuera de la ciudad Sam Loomis (John Gavin) discuten sobre su futuro. Marion quiere casarse con Sam, pero las deudas heredadas de su padre y su propia pensión alimenticia no le dejan suficiente dinero como para mantenerse. Como lo ha hecho tantas veces antes los viajes de negocios de Sam a Phoenix, deja parte de su futuro incierto.
Marion regresa a la oficina de bienes raíces donde trabaja como secretaria, llegando justo por su delantera su jefe el Sr. Lowery (Vaughn Taylor) y su cliente Cassidy (Frank Albertson) que quiere comprar una casa de Lowery con US$ 40.000 en efectivo. Lowery le dice a Marion que ponga el dinero en la caja de seguridad del banco hasta el Lunes. Por culpa de un dolor de cabeza, Marion pide el resto del día libre después de hacer los deberes del banco.
Pero Marion no se va del banco. Por la emoción del momento, ella decide mantener el dinero, lo empaqueta en una maleta, y empieza a conducir por la ciudad en su automóvil Ford Negro, y es descubierta por su jefe en una intersección en la que le da un aspecto sospechoso. Preocupada de que ella haya descubierta, huye con el producto afuera de la ciudad en camino a Fairvale, California. Todo el tiempo se encuentra mirando su espejo retrovisor, temerosa de que está siendo seguida. Ella conduce hasta entrada la noche y se estaciona junto a la carretera para dormir.
Por la mañana, un patrullero de carretera (Mort Mills) se detiene para investigar su carro, y la despierta. Asustada y nerviosa, despierta la sospecha del patrullero. Él mira su licencia de conducir, tomando nota del número de matrícula. Éste le permite continuar, pero la sigue por un tiempo, lo que intensifica la agitación Marion.
Consciente de que su coche puede ser perseguido hasta muy lejos, Marion decide comerciar para comprar un coche diferente. Ella se detiene y compra un automóvil usado, y al vendedor (John Anderson) le paga US$700 en efectivo por un Ford Sedán blanco. Nerviosa, se va del lugar y sigue hacia Fairvale.
Cuando cae la noche (la segunda), con sus temores de persecución, empieza una tormenta. No se puede ver claramente el camino, y lo único que ve es la señal de iluminación del Motel Bates, y decide alquilar una habitación por la noche. Como no hay otros coches allí, y nadie en la oficina del motel, ella empieza a buscar y ve una luz encendida en la casa detrás del motel, y una silueta en la ventana; prontu un joven vino por el camino para saludarla, y él se presenta como Norman Bates (Anthony Perkins). Es una voz suave y tímida del joven que le dice a Marion que vive en la gran casa con su madre. El motel rara vez tiene clientes, ya que la nueva autopista interestatal está al margen de la carretera local, y Marion se da cuenta de que probablemente tomó un giro equivocado por la tormenta. Todavía nerviosa acerca de ser rastreada por la policía, Marion se registra con el nombre falso de "Marie Samuels", y Norman la lleva hacia la Cabina 1 justo al lado de la oficina.
Norman le ofrece compartir su cena con ella para que no tuviera que salir de nuevo bajo la lluvia. Ella comienza a desempacar, teniendo tiempo para envolver el dinero dentro de un periódico que deja en el mueble al lado de la cama. Durante la acción, ella escucha gritos por una discusión entre Norman y su madre, procedente de la casa. La Sra. Bates (Virginia Gregg/Jeanette Nolan/Paul Jasmin) parece tener una baja opinión acerca de la joven y bella mujer, y no quiere que Norman la reciba a ella. Él lleva la leche y bocadillos a la oficina, donde se reúne con Marion en la sala que se encuentra detrás del mostrador de facturas.
Marion es sorprendida por unas aves embalsamadas de Norman que se encuentran en la sala, producto de su afición a la taxidermia. En su conversación mientras comen, Norman habla de ser atrapado. Así como actualmente Marion se siente atrapada por su culpa, Norman es permanentemente atrapado por la convivencia con su madre y su locura. Pero, como señala Norman, "todos estamos un poco locos a veces" y Marion responde que "a veces, sólo una vez puede ser suficiente".
Cuando Marion se va a su habitación, Norman saca un cuadro de la pared y mira a través de un agujero donde puede ver a Marion cambiándose ropa. Con un impulso de intensidad, Norman se apura por llegar hasta la colina y entrar en la casa.
En su habitación, Marion se sienta en la cama y calcula algunas cifras, y elabora como puede pagar los US$700 que había utilizado. Como sus lágrimas mojaron el documento que contiene las cifras, lo echa en el inodoro. Después, se saca su bata y sus zapatillas, y va hacia la bañera para disfrutar de una ducha.
Oculto detrás de ella, alguien abre la puerta del baño. Esa persona abre violentamente la cortina del baño, y resulta ser la sombra de la figura de una mujer de edad que posee un gran cuchillo cocinero en su mano. Marion grita y la mujer entierra varias veces el cuchillo en el cuerpo de Marion, quien no puede escapar de los cortes y finalmente muere. La mujer se retira del baño y deja a Marion muerta, quien rasga la cortina de baño y cae sobre el borde de la tina. La ducha sigue funcionando y un primer plano muestra su ojo, donde la cámara cada vez se aleja más y gira en sí misma.
De la casa, la voz de Norman grita "¡Madre! ¡Oh, Dios Madre! Sangre! Sangre!". Él viene corriendo por la colina y entra en la cabina de Marion donde encuentra el cuerpo de Marion y la prueba de que fue atacada por su Madre con un arma blanca. Rápidamente limpia la escena del crimen, y envuelve el cuerpo de Marion con la cortina de la ducha y lo deja en el maletero del auto, y recoge sus pertenencias para también guardarlas. En el último momento recoge el periódico doblado, sin saber que contenía dinero en él. Finalmente conduce el auto a un pantano cerca del motel, donde deja caer el auto.
Una semana más tarde, Sam Loomis está sentado en la oficina de su ferretería en Fairvale, y escribe una nota a Marion. En ella escribe que ha cambiado de opinión y que quiere casarse con ella lo más pronto posible, incluso si sus finanzas están limitadas. La hermana de Marion, Lila Crane (Vera Miles), entra en la tienda y le pregunta si Marion está ahí. Sam le dice que no. Un investigador privado llamado Arbogast (Martin Balsam) también entra en la tienda y pide el paradero de Marion. Su interés se centra en recuperar US$ 40.000, dinero con el que Marion había huido. Arbogast está convencido de que Marion está en algún lugar de la ciudad de su novio, por lo que empieza una búsqueda en hoteles y pensiones cenca de Fairvale.
Cuando Arbogast llega al Motel Bates, Norman le dice que él no ha visto Marion, y que no alojaron personas en las últimas semanas. Pero Arbogast gestiona al mirar el registro y ve la falsa firma de Marion bajo su falso nombre. Consciente de que Bates le mintió sobre los huéspedes, Norman recuerda en ese momento y reconoce que "Marie" se quedó la noche del Sábado anterior y se fue el Domingo en la mañana. Arbogast ve la silueta de la Madre en la gran casa, y le pide a Norman ir a verla, pero éste se niega, diciendo que su Madre está enferma y no debe ser perturbada.
Arbogast llama desde un teléfono público a Sam y Lila y les dice que Marion se había registrado el Sábado anterior por la noche en el Motel Bates en la Cabina 1, y que volvería al motel para intentar hablar con la Sra. Bates. Cuando regresa al motel, Arbogast revisa la oficina y la sala para ver si Norman está allí, y se da cuenta de su ausencia. Luego, dirige a la casa entra. Sintiendo que no hay nadie abajo, comienza a subir las escaleras. A medida que se acerca a la parte superior de la escalera, una anciana sale de la habitación y le propina varias apuñaladas en la cara. Él tropieza y se cae hacia atrás por las escaleras y termina en el suelo, donde la anciana lo apuñala varias veces más.
En la ferretería, Lila y Sam esperan a Arbogast, y su demora agota su paciencia. Arbogast había dicho que volvería en tres horas, y al no cumplirse el tiempo, deciden ir a buscarlo. Sam le dice a Lila que se quede mientras va al motel. Cuando Sam llega, empieza a gritar el nombre de Arbogast. Norman, de pie cerca del pantano, oye gritar a Sam el nombre de Arbogast.
Sam vuelve a la tienda, y dice que no había nadie en el hotel ni en la casa. No vio a Arbogast, ni a Bates, sólo a una anciana enferma que no puede o no quiere responder a la puerta. Sam sugiere ir a ver al Sheriff Al Chambers (John McIntire) para que informe de la desaparición de Arbogast. En la casa del sheriff, Chambers y su esposa Eliza (Lurene Tuttle) escuchan la historia de Sam y Lila. En su instante llaman por teléfono al Motel de Norman y les dice que el detective había estado allí, pero había salido. Cuando Lila pregunta sobre la Madre, le dice que había muerto y enterrada en el cementerio de Greenlawn hace diez años, después de haber envenenado a la amante de Norman y suicidarse. Sam y Lila insisten en que hay una mujer ahí, y que había Arbogast les dijo que Norman le había prohibido ver a su madre porque estaba demasiada enferma.
Norman está preocupado por todas las personas que han espionado. Sus preocupaciones lo llevan a decirle a su Madre que se debe esconder por un tiempo en la bodega de frutas, pero ella se niega. Norman la lleva a espaldas y la baja hasta la bodega. Ella lo regaña e insiste en que puede caminar por sí misma, pero igualmente no quiere bajar. A pesar de sus protestas, Norman la lleva por las escaleras hasta el lugar.
A la mañana siguiente, (día Domingo), Lila y Sam se juntan con el Sheriff y su señora saliendo de la iglesia. El sheriff había hido al motel mucho antes de la misa, y les dice que vio el lugar y a Norman solo. Finalmente, le sugiere a Lila que de un informe de una persona desaparecida por un robo, para que "la ley la encuentre". Insatisfechos, Lila y Sam deciden ir al Motel y registrarse como matrimonio, para pedir una cabina y empezar a registrar cada lugar del Motel.
Norman les asigna a la cabina 10, y Sam insiste en firmar el registro. Al pagar, pide un recibo y Lila se retira hacia la cabina con las llaves. Después, se dan cuenta que la Cabina 1 está abierta, y al terminar una breve conversación, Sam y Lila entran en la cabina asegurándose de que Norman no esté cerca, y así buscar pistas. Lo único que encuentran es un pedazo de papel en el que Marion había dejado los US$ 40.000, loo que comprobaría que estuvo allí. Como ya se sabía que Marion estuvo allí, Lila se interesa por intentar hablar con la Madre, ya que sospecha que ella le hizo algo a Arbogats. Ella le pide a Sam que distraiga a Norman, para poder ir a la casa. Sam trata de disuadir, pero ella insiste en que puede manejar a una anciana enferma.
Sam encuentra a Norman en la oficina y empieza a hablar con él, mientras Lila se dirige a la casa detrás del motel. Al entrar, empieza a buscar en las habitaciones de arriba, entre las cuales estaba la de la Madre, la cual estaba decorada con un estilo antiguo. El esquema del cuerpo de la mujer estaba profundamente marcado en el colchón.
Mientras tanto, Sam empieza a hablar de dinero para ver si Norman revela algo de los US$ 40.000. Norman empieza a agitarse, y cuando Sam le pregunta si su Madre puede saber algo de los US$ 40.000, Norman se da cuenta de que es otro "espía". Sam intenta evitar que Norman salga, pero este golpea su cabeza, y Sam cae aturdido al piso.
Lila está bajando las escaleras cuando se da cuenta de que Norman se dirige hacia la puerta principal. Ella corre hacia la bodega para ocultarse de Norman, y se dirige a una habitación oculta.
Empieza a caminar por una sala y cerca de allí encuentra a una mujer sentada. Ella le susurra "Sra. Bates", pero no responde. Lila se acerca y pone su mano en su hombro. La silla gira y Lila descubre los restos de un cuerpo de mujer, con la cara contorsionada.
Lila grita y se aleja, y una aparente vieja entra con un cuchillo carnicero y grita "¡Soy Norma Bates!", y bloque la única salida de la bodega. En ese momento, Sam entra y golpea a la mujer. La peluca de la "mujer" se cae y revela que es Norman vestido con ropa de su madre.
Lila, Sam y el Sheriff Chambers se encuentran desconcertados entre un grupo de personas, a la espera de escuchar a un psiquiatra que ha sido llamado para examinar a Norman. El Dr. Fred Richmond (Simon Oakland) entra y les dice que ha relatado toda la historia, pero no como "Norman", sino como la "Madre". El dice que la "Madre" ahora controla una parte de él.
El Dr. empieza a relatar que años atrás, después de la prematura muerte del padre de Norman, tuvo que depender de la atención de su madre. Pero cuando ella empezó a tener un amante, Norman se sintió como si hubiese sido reemplazado. Sus celos no podían cesar, y por lo tanto, envenenó a su madre y a su amante. Después del entierro, Norman robó el cadáver y lo conservó lo mejor que pudo.
Su crimen abrumó su frágil estado mental, por lo que comenzó a dividir su mente con su madre, dándole la vida que le había quitado. El conservaba la ilusión de que su madre vivía y negaba que el la había envenenado. Comenzó a pensar y hablar por ella, camina usando su ropa y una peluca de mujer para mejorar aún más la ilusión. A veces podía ser las dos personalidades y hacerlas hablar entre ellas. Algunas veces, la "Madre" era la personalidad dominante. Nunca fue completamente "Norman", pero varias veces fue "Madre".
Como estaba patológicamente celoso de ella, dijo que nunca se enamoraría de una mujer. Cuando Norman se reunió con Marion, sintió una fuerte atracción por ella. La atracción hacia ella causó los celos de la Madre, por lo tanto la parte de la "Madre" asesinó a Marion por celos y a la última serie de mujeres jóvenes que cumplieron un destino similar. Después, "Norman" volvió como si fuera el dueño y limpió toda la evidencia del crimen de la "Madre", y arrojó las evidencias en el pantano cerca del Motel. Pero ahora la "Madre" había ganado la batalla, ya que controlaba totalmente a "Norman".
En una habitación bajo llave y vigilada, se muestra a Norman pensando como la "Madre", sin pensamientos de "Norman". Ella lamenta de haber condenado a su hijo, pero no dejaba de decir que había matado a varias personas. Después, continúan los pensamientos de la "Madre".
En el final de la película, una cadena de remolque levanta el auto de Marion que estaba sumergido en el pantano.
Reparto [editar]
Actriz/Actor
Personaje
Anthony Perkins
Norman Bates
Janet Leigh
Marion Crane
Vera Miles
Lila Crane
John Gavin
Sam Loomis
Martin Balsam
Milton Arbogast
John McIntire
Sheriff Al Chambers
Simon Oakland
Dr. Fred Richmond
Vaughn Taylor
George Lowery
Frank Albertson
Tom Cassidy
Lurene Tuttle
Eliza Chambers
Patricia Hitchcock
Caroline
Virginia Gregg
Norma Bates (Voz)
Jeanette Nolan
Norma Bates (Voz)
Paul Jasmin
Norma Bates (Voz)
Inicialmente recibió comentarios mixtos pero, incitando a una nueva revisión, se hizo una que fue muy positiva y dio lugar a cuatro nominaciones a los Premios de la Academia. Considerada hoy como una de las mejores películas de Hitchcock, y elogiada como una obra de arte cinematográfica de la crítica internacional, Psicosis también ha sido aclamada como una de las películas de terror más eficaces. Se trata de una película en la que cada escena es casi legendaria, y muchas han sido copiadas o hecha parodias. La película dio lugar a varias secuelas y un remake, que generalmente son vistas como obras de menor calidad.
IRREVERSIBLE
RESUMEN
Marcus y su amigo Pierre recorren desesperadamente un París alejado del ideal romántico que comúnmente se asocia a la Ciudad Luz. La causa del descontrol es muy simple: la venganza tras la violación de Alex, su hermosa pareja. Las heridas que llevan a este punto son irreversibles en todos sentidos... pero la venganza también lo es.
CRITICA
Unos créditos que juegan con tipografía y con el orden temporal habitual nos muestran desde el inicio (en caso de que aún haya dudas después del escándalo que representa la proyección de esta cinta desde su presentación en Cannes) que no hay concesiones: el objetivo es impactar, causar reacciones, conmocionar al espectador y sumergirle en una historia con múltiples lecturas, donde resultarán desde las que están en contra de su proyección, hasta las que la elogiarán como cinta y como una dura lección visual.
¿La causa? Dos secuencias de mucha –mucha- violencia: la violación (nueve minutos con los cuales se puede llegar a llorar, y con los que la gran mayoría enmudece en la sala) y un acto de venganza en el que se destroza una cabeza, literalmente, y donde tampoco se ahorran los detalles.
Con una muestra violenta -en muchos sentidos- que golpea brutalmente los ojos y el alma, y que ofrece una de las primeras medias horas más duras que se han visto jamás, es obvio que se trata de una cinta en la que se requiere saber qué es lo que se verá, y entrar con voluntad de cuestionar y tomar decisiones sobre lo que la pantalla muestra y grita a su manera.
Y es que más allá de la publicidad que anuncia el estreno de “el escándalo” y promueve en el cartel a la escultural Bellucci, la conmoción es real: la cámara marea en sus inicios y el movimiento nos habla de un caos que se vive, de un mundo alterado, de una ruptura, una destrucción total. Aquí la pregunta obvia, y que provoca todos los planteamientos morales y cuestionamientos hacia la cinta, es sobre la forma y no el fondo: ¿se requiere ser así de explícito para transmitir un mensaje de esa magnitud? La decisión es de los espectadores que salen golpeados ante lo que pasa en la historia, pero en lo personal la defiendo, pues la intención es mostrar una pesadilla, un acto crudo, y la única forma, en este caso, de mostrar un dolor real en los personajes y lo que les pasa, y de transmitirlo y ser convincente, es mostrar lo que ocurre, pues el desvío de la cámara equivaldría a girar la mirada para no ver lo que ocurre: no podemos negar las pesadillas y la maldad y el absurdo de la violencia nunca han sido hermosos o poco dolorosos.
Si nos limitamos a lo técnico, la propuesta tiene una valía tremenda: desde una narración en sentido contrario (pero irreversible) hasta una elección musical poderosa (la música de Beethoven mezclada con temas de Thomas Bangalter), pasando por una cámara que tiene vida propia (quizá algo excesiva en ciertos momentos) y una elección de planos secuencia largos que persiguen o se limitan a una estática dolorosa y profunda. La edición es muy trabajada también, y la fotografía está muy cuidada. El director Gaspar Noé, después de su Seul contre tous, noda un pie que continúa en donde la otra terminó: el diálogo sobre la relación incestuosa que sirve de ubicación del dilema a las puertas del bar gay es la ilación y un detalle digno de mención ya que habla de un deseo de conmocionar, muy en su estilo.
La propuesta de Noé, y que se muestra en toda su extensión como moraleja, es simple: el tiempo lo destruye todo. No soy necesariamente un partidario de esa idea, pero lo que el director ha logrado con esta obra es digno de todos los créditos: nadie ha dicho nunca que la realidad de la maldad y el absurdo de la violencia son algo grato. Si le creo al director, la verdad es que la premisa parece demasiado absoluta, y mi lectura no es como para creer en eso: somos los humanos y nuestras decisiones los que terminamos y destruimos, si eso es lo que nos proponemos, pero –afortunadamente- la decisión es nuestra, y el tiempo a veces es enemigo pero siempre sigue su curso a partir de nuestras decisiones. (Y basta de reflexiones, pues el tema da para mucho y queda fuera de los alcances de esta reseña).
El morbo de un Vicent Cassel y una Mónica Bellucci en escenas de cama y como estelares (se rodó cuando aún eran pareja) ayuda –innegablemente- a la difusión de este proyecto (la verdad es que con estelares de poco nombre no muchos se atreverían a verla, y es sabido que la hermosa Mónica es un imán de testosterona, uno de los mercados principales debido a la dureza de la propuesta, y aquí las reflexiones se prestan a muchas ideas: ¿es más dolorosa la violación cuando ocurre a una mujer así de hermosa? Lo menciono porque el violador juega con esa idea: la burguesa y hermosa que se merece el castigo de una clase social golpeada. La base social no es en si algo asociado al dolor, pero es innegable que se juega con la idea: las fiestas con droga, al menos en ese estilo de fiestas y de ese estilo de drogas, requieren dinero y, por los vestuarios y el contexto, podemos ver que se trata de gente que trabaja y que tiene más oportunidades que otros. El juego social es otro elemento de análisis les queda como tarea el encontrar los juegos propuestos, la idea de juzgar la belleza como detonador se prestará a miles de discusiones también.
En esta temática, las ideas que sí pueden cuestionarse es la idea de un bar gay como fondo, pues el detalle es en parte pretexto para golpear con escenas de un sitio al que no muchos desearán entrar, pero que viene un tanto excesivo como idea: el sitio puedo haber sido cualquier otro, lo que no puede decirse del resto de la historia. La parte del embarazo como añadido también es un elemento que muchos cuestionarán, pues la idea de estabilidad rota ya está propuesta sin necesidad de agregar ese juego (lo que no puede decirse, por ejemplo, del triángulo de la ex-pareja de Alex, que sí es un elemento que añade mucho a la narración).
¿La moraleja? Les toca extraerla, pero es obvio que las decisiones de vida son parte de una vida. Si han perdido alguna pareja por alguna elección (que ahora afirman como) mal tomada, saben de lo que hablo.
La cinta debe verse, por muchas causas, y esta columna es una defensora de su proyección y de su difusión. Si el miedo es fomentar odio o nutrir lo malo de los seres humanos, créanme que si hay gente lo suficientemente loca como para motivarse o ver otro tema en vez de ver el dolor, no necesitará de cintas como ésta (ni como ésta ni de ningún tipo) para sacar conclusiones y, por tanto, la proyección no tendrá esa función.
¿Mi respuesta ante lo que se ve? Lloré en la violación y salí emocionalmente triste
CRITICA
Unos créditos que juegan con tipografía y con el orden temporal habitual nos muestran desde el inicio (en caso de que aún haya dudas después del escándalo que representa la proyección de esta cinta desde su presentación en Cannes) que no hay concesiones: el objetivo es impactar, causar reacciones, conmocionar al espectador y sumergirle en una historia con múltiples lecturas, donde resultarán desde las que están en contra de su proyección, hasta las que la elogiarán como cinta y como una dura lección visual.
¿La causa? Dos secuencias de mucha –mucha- violencia: la violación (nueve minutos con los cuales se puede llegar a llorar, y con los que la gran mayoría enmudece en la sala) y un acto de venganza en el que se destroza una cabeza, literalmente, y donde tampoco se ahorran los detalles.
Con una muestra violenta -en muchos sentidos- que golpea brutalmente los ojos y el alma, y que ofrece una de las primeras medias horas más duras que se han visto jamás, es obvio que se trata de una cinta en la que se requiere saber qué es lo que se verá, y entrar con voluntad de cuestionar y tomar decisiones sobre lo que la pantalla muestra y grita a su manera.
Y es que más allá de la publicidad que anuncia el estreno de “el escándalo” y promueve en el cartel a la escultural Bellucci, la conmoción es real: la cámara marea en sus inicios y el movimiento nos habla de un caos que se vive, de un mundo alterado, de una ruptura, una destrucción total. Aquí la pregunta obvia, y que provoca todos los planteamientos morales y cuestionamientos hacia la cinta, es sobre la forma y no el fondo: ¿se requiere ser así de explícito para transmitir un mensaje de esa magnitud? La decisión es de los espectadores que salen golpeados ante lo que pasa en la historia, pero en lo personal la defiendo, pues la intención es mostrar una pesadilla, un acto crudo, y la única forma, en este caso, de mostrar un dolor real en los personajes y lo que les pasa, y de transmitirlo y ser convincente, es mostrar lo que ocurre, pues el desvío de la cámara equivaldría a girar la mirada para no ver lo que ocurre: no podemos negar las pesadillas y la maldad y el absurdo de la violencia nunca han sido hermosos o poco dolorosos.
Si nos limitamos a lo técnico, la propuesta tiene una valía tremenda: desde una narración en sentido contrario (pero irreversible) hasta una elección musical poderosa (la música de Beethoven mezclada con temas de Thomas Bangalter), pasando por una cámara que tiene vida propia (quizá algo excesiva en ciertos momentos) y una elección de planos secuencia largos que persiguen o se limitan a una estática dolorosa y profunda. La edición es muy trabajada también, y la fotografía está muy cuidada. El director Gaspar Noé, después de su Seul contre tous, noda un pie que continúa en donde la otra terminó: el diálogo sobre la relación incestuosa que sirve de ubicación del dilema a las puertas del bar gay es la ilación y un detalle digno de mención ya que habla de un deseo de conmocionar, muy en su estilo.
La propuesta de Noé, y que se muestra en toda su extensión como moraleja, es simple: el tiempo lo destruye todo. No soy necesariamente un partidario de esa idea, pero lo que el director ha logrado con esta obra es digno de todos los créditos: nadie ha dicho nunca que la realidad de la maldad y el absurdo de la violencia son algo grato. Si le creo al director, la verdad es que la premisa parece demasiado absoluta, y mi lectura no es como para creer en eso: somos los humanos y nuestras decisiones los que terminamos y destruimos, si eso es lo que nos proponemos, pero –afortunadamente- la decisión es nuestra, y el tiempo a veces es enemigo pero siempre sigue su curso a partir de nuestras decisiones. (Y basta de reflexiones, pues el tema da para mucho y queda fuera de los alcances de esta reseña).
El morbo de un Vicent Cassel y una Mónica Bellucci en escenas de cama y como estelares (se rodó cuando aún eran pareja) ayuda –innegablemente- a la difusión de este proyecto (la verdad es que con estelares de poco nombre no muchos se atreverían a verla, y es sabido que la hermosa Mónica es un imán de testosterona, uno de los mercados principales debido a la dureza de la propuesta, y aquí las reflexiones se prestan a muchas ideas: ¿es más dolorosa la violación cuando ocurre a una mujer así de hermosa? Lo menciono porque el violador juega con esa idea: la burguesa y hermosa que se merece el castigo de una clase social golpeada. La base social no es en si algo asociado al dolor, pero es innegable que se juega con la idea: las fiestas con droga, al menos en ese estilo de fiestas y de ese estilo de drogas, requieren dinero y, por los vestuarios y el contexto, podemos ver que se trata de gente que trabaja y que tiene más oportunidades que otros. El juego social es otro elemento de análisis les queda como tarea el encontrar los juegos propuestos, la idea de juzgar la belleza como detonador se prestará a miles de discusiones también.
En esta temática, las ideas que sí pueden cuestionarse es la idea de un bar gay como fondo, pues el detalle es en parte pretexto para golpear con escenas de un sitio al que no muchos desearán entrar, pero que viene un tanto excesivo como idea: el sitio puedo haber sido cualquier otro, lo que no puede decirse del resto de la historia. La parte del embarazo como añadido también es un elemento que muchos cuestionarán, pues la idea de estabilidad rota ya está propuesta sin necesidad de agregar ese juego (lo que no puede decirse, por ejemplo, del triángulo de la ex-pareja de Alex, que sí es un elemento que añade mucho a la narración).
¿La moraleja? Les toca extraerla, pero es obvio que las decisiones de vida son parte de una vida. Si han perdido alguna pareja por alguna elección (que ahora afirman como) mal tomada, saben de lo que hablo.
La cinta debe verse, por muchas causas, y esta columna es una defensora de su proyección y de su difusión. Si el miedo es fomentar odio o nutrir lo malo de los seres humanos, créanme que si hay gente lo suficientemente loca como para motivarse o ver otro tema en vez de ver el dolor, no necesitará de cintas como ésta (ni como ésta ni de ningún tipo) para sacar conclusiones y, por tanto, la proyección no tendrá esa función.
¿Mi respuesta ante lo que se ve? Lloré en la violación y salí emocionalmente triste
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